Para esta ocasión me estoy apartando un tanto de la pintura para dedicárselo al dibujo a tinta con pluma.
Representación Figurativa
En la representación figurativa me enfoco en los bordes y aristas de la escena visible, la interpreto y dibujo intentando trasladar esa percepción sobre una superficie. En unas ocasiones resaltando los detalles formales y en otras los lumínicos. Generalmente puedo comenzar desde la estructura general llevando la intención de la totalidad; o me enfoco en un objeto central que quiera resaltar y lo demás lo agrego aleatoriamente. En la galería arriba, muestro algunos dibujos figurativos a tinta entre rápido y detallados, realizados ubicándome frente a la escena y alguno imaginario.
Representación Abstracta
En la representación abstracta, voy a la superficie, divido su área para localizar dentro de estas diversos gráficos que representen figuras, fondos y/o sensaciones móviles o energéticas.
Utilizo directamente la tinta sobre la cartulina. Los primeros trazos serán intuitivos, sin una premeditación específica o intención, de pronto la habrá inconscientemente. Estos trazados iniciales determinarán áreas que buscarán representar superficies con sus texturas propias. En esa exploración textural de cada área predeterminada, dibujo ensayando desde diversas posibilidades hasta llegar a un juego específico; generalmente yendo del claro al oscuro, teniendo en cuenta a la vez la volumetría que quiera darle; así, si la superficie es curva, procuro jugar con la iluminación y el sombreado; si tiene detalles, protuberancias o hendiduras juego con los claros y oscuros para definirlos; si estoy en presencia de atmósferas o campos energéticos, procuro rellenar con degradados, yendo de líneas muy juntas a otras más separadas hasta obtener gradualmente lo que deseo en esas áreas. Ahora, debe haber alguna transición armónica o ritmo entre las diferentes áreas texturizadas predeterminadas que le den una armonía unitaria a la totalidad.
La relación inmediata entre los diversos elementos han de seguir una secuencia armónica, cumplir algún ritmo; y las variaciones secuenciales entre grupos de elementos se rigen a una armonía superior que le da un sentido a la totalidad de la manifestación gráfica. Se crea así una unidad armónica desde la diversidad.
El sentido se lo da el observador, al preguntarles que perciben, los conceptos son muy variables, incluso, al girar la superficie, se tienen apreciaciones diferentes. Eso ha llevado que al momento de exponerlo surja la posibilidad de rotar el formato.
Podemos ir de la estructura general a las estructuras de sus componentes; o ir de las estructuras menores a la general.
El comienzo es la bocetada incierta sin intención consciente que delimita áreas. Para luego ir definiendo las estructuras propias o texturas de esas áreas caracterizadas por la diversidad de detalles en cada uno de los elementos contenidos en ella, está es la fase más crítica, en la medida en que se le va apreciando la armonía entre sus componentes en las áreas predeterminadas, ya hay cierta seguridad momentánea, cuando esta no se aprecia, mejor no seguir. Después de tener cierta definición en las diferentes áreas, viene la fase de vinculación entre ellas, en esta transición aparece nuevamente la incertidumbre crítica, si se logra sintetizar toda esa diversidad emerge el sentido de la totalidad de la obra. El todo se vuelve uno.
El inicio es traumático, incierto, y sigo en esa incertidumbre mientras no aparezcan las relaciones armónicas. Cuando estas se develan hay cierta tranquilidad y seguridad, es como si supiera a dónde llegar. Es como si fuese emergiendo su sentido.
Se podría decir que hay alguna relación entre el arte como arte y el arte del vivir. La Vida presenta momentos conscientes como también inconscientes. Instantes inciertos cómo también ciertos. Sucesos armónicos como discrepantes que intentamos armonizar.
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